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Las cinco principales instituciones artísticas de la ciudad han traído nuevos liderazgos que han cambiado la manera en que Atlanta experimenta las artes.
Fotografía de Ben Rollins.
**Rand Suffolk**
**Visión Artística:** Un nuevo enfoque para hacer que el High Museum of Art represente a Atlanta.
Una vez al mes, el High Museum of Art se convierte en el club nocturno más popular de Atlanta.
DJ’s ponen música, los bartenders sirven bebidas y los visitantes exploran —y bailan— a través de las colecciones después del anochecer.
High Frequency Fridays se ha agotado durante 19 meses consecutivos, y es solo una de las muchas maneras en las que el director Rand Suffolk ha reimaginado cómo el museo de arte más importante de Atlanta puede reflejar a su comunidad.
Cuando Suffolk asumió como director en 2015, el museo era aclamado por sus exposiciones espectaculares, su robusta colección y su impresionante arquitectura, pero sus visitantes no representaban a la ciudad.
Suffolk vio esto como una oportunidad perdida.
“Me encantó la diversidad, la energía y la historia emprendedora dentro de la comunidad,” dice Suffolk.
“Atlanta se benefició de esta migración inversa en EE. UU.
Hay tanto capital creativo aquí que pensé que había una verdadera oportunidad para que el High desempeñara un papel importante en la evolución de Atlanta.”
Suffolk había dirigido dos museos anteriormente antes de llegar al High, pero encontró que el mercado mucho más grande de Atlanta requería una estrategia novedosa y multifacética.
Crecimiento, inclusividad, colaboración y conectividad son los cuatro pilares que Suffolk utiliza para liderar el High y empoderar a sus empleados.
El primer paso fue hacer que el museo fuera más accesible.
Los precios de las entradas se redujeron en 2016.
El segundo domingo y el tercer miércoles de cada mes son ahora gratuitos.
Pero no se trata solo de accesibilidad económica; también significa alcanzar a los habitantes de Atlanta donde se encuentran.
Los segundos domingos incluyen eventos familiares que normalmente atraen a 4,500 personas, y High Frequency Fridays ofrecen a 3,000 personas de la Generación Z y millennials una divertida noche de citas.
Suffolk teorizó que una vez que los habitantes de Atlanta visitaran el museo, querrían volver regularmente.
Las exposiciones de renombre internacional, como Louvre Atlanta, eran excelentes para atraer a las personas a una galería, pero esos visitantes no tendrían incentivos para regresar hasta la próxima exposición llegada de Francia.
“Le enseñamos a nuestra audiencia que, a menos que quisieran participar en esa gran exposición, tal vez no habría otras cosas que hacer,” dice.
“En cierto modo, eso puede haber devaluado el increíble arte que estaba en nuestra propia colección permanente.”
Las más de 16,000 piezas se reorganizaron en un rediseño de 2018 para contar una narrativa diferente que presentara a los artistas de color, mujeres y un fuerte enfoque en el Sur.
Desde la pared de salones del siglo XIX en las galerías de arte americano hasta las llamativas obras en lienzo del artista popular de Alabama, Thornton Dial, en la pasarela, el nuevo diseño se volvió más atractivo y fácil de seguir.
El desafío está en lograr el equilibrio.
Exhibiciones de gran éxito como los retratos de Obama de 2022 y la exhibición Calder-Picasso de 2021 demuestran que Atlanta puede atraer talento de primer nivel que genera atención: la popularidad de “Infinity Mirrors” de Yayoi Kusama en 2019 fue tal que 400 personas acamparon fuera del museo para obtener entradas el día final.
Sin embargo, para Suffolk también es importante que el High sea conocido por sus exposiciones locales, como la de 2021 dedicada a Nellie Mae Rowe de Atlanta.
Suffolk empodera a sus comisarios para exhibir y adquirir arte que se ajuste a la ética del High, pero también para llevarla más allá.
Desde 2017, aproximadamente el 60 por ciento de las exposiciones han presentado a artistas de color, personas LGBTQ+ o mujeres.
La recopilación de obras de una gama diversa de artistas también es fundamental a medida que el High se acerca a su centenario en 2026 y establece las bases para los próximos 25 años.
Las estrategias de Suffolk están ayudando al museo a representar la verdadera Atlanta a pesar de las luchas que todas las instituciones culturales han enfrentado desde la pandemia de COVID-19.
Los visitantes tienden a ser más jóvenes, con un 62 por ciento menores de 35 años el año pasado.
Cuando Suffolk comenzó hace nueve años, las personas de color constituían el 15 por ciento de los visitantes del museo; ahora representan el 52 por ciento, reflejando la población de la ciudad.
Casi el 40 por ciento de los visitantes provienen de hogares que ganan menos de $70,000 al año.
La membresía también ha crecido.
En 2015, el High tenía 26,000 miembros con una tasa de retención de menos del 50 por ciento.
Ahora ha aumentado a 41,000 con una tasa de retención del 70 por ciento.
“Es realmente emocionante porque significa que no solo estamos involucrando a nuestra audiencia, sino que ahora están mucho más comprometidos con nosotros,” dice.
El High podría haber ganado su reputación como una institución cultural clásica que ha evolucionado junto a la ciudad, pero debe seguir cambiando para mantener esa posición.
La misión de Suffolk es expandir el museo en todas las áreas.
“¿Qué significa para el High ser el museo de arte más accesible en América?” pregunta Suffolk.
“Eso es lo que será nuestro trabajo.”
Fotografía de The Sintoses.
**Tomer Zvulun**
**Asumiendo el Riesgo:** La Ópera de Atlanta superó el miedo financiero para elevarse a una compañía que atrae la atención internacional.
Para Tomer Zvulun, era una vida maravillosa.
El nativo israelí y su esposa, Susanna, hicieron de Nueva York su hogar, en una casa en el Upper West Side, mientras él trabajaba como director de escena en el Metropolitan Opera.
El trabajo le permitió dirigir producciones con el Met, pero también le dio la libertad para viajar por el mundo supervisando producciones independientes.
Durante su odisea, pudo dirigir tres espectáculos en la Ópera de Atlanta: “El holandés errante” en 2009, “La flauta mágica” en 2010 y “Lucia di Lammermoor” en 2011.
Cuando se abrió la posición de director general y artístico de la Ópera de Atlanta, Zvulun postuló.
Consiguió el puesto y comenzó en 2013.
Los desafíos lo enfrentaron casi de inmediato.
Poco después de la recesión de 2008, la Ópera de Atlanta tuvo que reducir las producciones completas de cuatro a tres anualmente.
La compañía estaba endeudada, la recaudación de fondos se había vuelto un problema y la junta directiva estaba asustada.
Zvulun tuvo que trabajar bajo un decreto de la junta que establecía que la compañía solo podía presentar las 30 óperas más populares.
No querían riesgos.
Era una propuesta imposible para un nuevo director que quería tallar su propia identidad, así que Zvulun contraatacó con su propia idea.
Les dijo: “De acuerdo, déjenme trabajar con su pánico.”
Zvulun aceptó producir tres nuevas producciones de óperas clásicas en el escenario principal.
Pero también quería hacer un cuarto espectáculo: una pequeña ópera de cámara de Jake Heggie llamada “Three Decembers”.
Después de que Zvulun prometiera que la ópera costaría solo $100,000, recibió el visto bueno —si podía recaudar el dinero.
Un donante proporcionó la financiación, y la producción fue aclamada.
Esto lanzó lo que se convirtió en la serie “Descubrimientos”: obras modernas y vanguardistas que han atraído nuevas audiencias a la ópera.
Utilizando el mismo modelo durante los tres años siguientes —producir tres óperas clásicas en el escenario principal e una a dos ofertas de la serie “Descubrimientos”— la Ópera de Atlanta comenzó a recuperarse financieramente para 2016 y de nuevo pudo ofrecer cuatro producciones anuales en el escenario principal.
El mantra de Zvulun desde el principio se ha mantenido constante: aumentar el riesgo artístico mientras se reduce el riesgo financiero.
Con el tiempo, la compañía ha empujado los límites y no solo ha crecido una base de entusiastas asistentes a la ópera que disfrutan de espectáculos experimentales y modernos, sino que también ha aumentado el apetito de la junta para más propuestas arriesgadas, siempre que sean acompañadas de recaudación de fondos.
“Conforme pasó el tiempo, la junta pudo confiar en el liderazgo y eso les permitió seguir adelante,” dice Zvulun.
“Ahora ni siquiera preguntan qué repertorio vamos a hacer porque saben que será bueno.”
Ajustar sus ofertas y incorporar el musical en la mezcla ha demostrado ser provechoso.
“Soy un firme creyente en un espectro de narración,” dice.
“Creo que la ópera puede ser una torre de marfil para los fanáticos snobs de la ópera, y estoy completamente en contra de eso.”
Cuando programó “Los piratas de Penzance” en 2016, la decisión fue criticada duramente por algunos miembros de la junta y donantes, pero estableció récords de asistencia y, en última instancia, reconocieron el número de asistentes que fueron nuevos para la Ópera de Atlanta.
Zvulun siguió con “Sweeney Todd”, “West Side Story” y luego “Cabaret”.
Aproximadamente la mitad de la audiencia que asistió a esos espectáculos era nueva en la Ópera de Atlanta.
La serie “Descubrimientos” sigue prosperando.
La ópera montó “Out of Darkness” en Theatrical Outfit en 2018 con el actor Tom Key.
La versión del año pasado de “The Shining”, una coproducción con Alliance Theatre, tuvo 12 representaciones, y aproximadamente el 75 por ciento de la audiencia eran recién llegados a la ópera.
Con un presupuesto anual que ahora alcanza los $15 millones, la Ópera de Atlanta entra a su temporada 2024-25 como una de las 10 mejores compañías de ópera por primera vez, según la agencia de servicios de la industria, Opera America.
Es un gran logro para Zvulun.
Mirando hacia el futuro, la casa de ópera ha montado las dos primeras partes del ciclo épico de cuatro partes de Richard Wagner, con las dos partes finales programadas para las próximas dos temporadas.
Zvulun espera llegar a montar las cuatro partes del ciclo al mismo tiempo como una especie de festival de Wagner, que imagina que atraerá a personas de todo el mundo.
Zvulun originalmente consideró a Atlanta como un peldaño en su carrera.
Sin embargo, después de 12 años en la ciudad, ahora tiene una perspectiva diferente.
“Me importa esta ciudad,” dice.
“Mis hijos están en la escuela y estoy involucrado en organizaciones.”
También ha visto una especie de revolución en Atlanta en los últimos años a medida que nuevo liderazgo artístico ha tomado el control.
“Creo que esta ciudad es un hervidero de organizaciones artísticas en este momento,” dice Zvulun.
“Algo está ocurriendo en Atlanta que es fantástico y tiene un gran apoyo de la comunidad.
Está explotando, y quiero que la ciudad sea el hogar de la ópera más increíble.”
Fotografía de Audra Melton.
**Nathalie Stutzmann**
**Pasando el Testigo:** La nueva directora musical de la Atlanta Symphony Orchestra aporta una energía audaz.
Nathalie Stutzmann ha tenido dos años notables.
Desde que asumió la batuta como directora musical de la Atlanta Symphony Orchestra en 2022, la contralto nominada al Grammy, convertida en directora de orquesta aclamada internacionalmente, ha acumulado una serie de apariciones altamente alabadas en todo el mundo, incluyendo un debut en el Festival de Bayreuth que llevó al periódico alemán Die Süddeutsche Zeitung a proclamarla “probablemente la directora más importante de nuestro tiempo.”
Esto no sorprenderá a los patrocinadores de la ASO, que han aplaudido a Stutzmann por su musicalidad incisiva, así como por su capacidad para capturar la imaginación del público.
Como dice la directora ejecutiva de la ASO, Jennifer Barlament: “Nathalie es una artista notablemente valiente.
El público reacciona a ella con entusiasmo desbordado, y los habitantes de Atlanta se han enamorado de ella.”
Las cifras respaldan el bombo publicitario.
Los niveles de asistencia a los conciertos clásicos de la ASO promedian el 86 por ciento, una estadística impresionante para cualquier organización artística en la actualidad, mientras que las veladas de Stutzmann registran varios puntos más, llegando a más del 90 por ciento.
Los niveles de suscripción parecen estar aumentando también.
Stutzmann, de 59 años, nació en Francia en una familia de cantantes de música clásica.
Hizo su debut en concierto en 1985, y luego actuó por primera vez en Lincoln Center de Nueva York en 1995 y en Carnegie Hall en 1998, aclamada como una de las mejores contraltos del mundo.
Pero la pasión por dirigir creció dentro de ella, una profesión que solo recientemente se volvió amigable para las mujeres.
Stutzmann es solo la segunda mujer en dirigir una orquesta importante en Estados Unidos; su nombramiento como directora de la ASO fue anunciado en el New York Times.
Mientras que algunos nuevos directores en organizaciones artísticas de Atlanta han encontrado la necesidad de reorganizar y reparar, Stutzmann ha asumido lo que ya era una entidad artísticamente floreciente y ha construido perceptiblemente sobre el éxito histórico de sus predecesores.
Ella cuenta con una de las bandas más habilidosas del país a su disposición.
“Ellos son artistas,” dice Stutzmann sobre sus músicos.
“Lo que me encanta de mi orquesta es que hay una buena voluntad tan grande, y una voluntad de trabajar seriamente para mejorar nuestras actuaciones.
Las personas que sienten que no tienen que trabajar más no son artistas.
Intentamos cada día ser mejores.”
Stutzmann expresa orgullo por lo que ella y la orquesta han logrado.
“Mi sueño es hacer de ellos la orquesta más físicamente comprometida y emocionalmente expresiva posible,” dice.
“Los empujo porque ya tienen esta habilidad dentro de ellos.
Mi papel es simplemente sacarla.”
Para ese fin, Stutzmann ha empleado un método único de cantar frases a sus músicos en lugar de utilizar metáforas para expresar lo que quiere oír.
Los miembros de la orquesta han respondido a esto con entusiasmo, así como a su aliento para que “creén personajes” con su sonido.
“Incluso si un músico tiene solo una nota, hay una narrativa detrás de ella,” dice.
“Debes abrir la imaginación, de modo que piensen sobre qué personaje, qué tipo de sonido se necesita.”
El sonido de Stutzmann ha sido descrito como cálido y poderoso, con una grandeza de corazón, y su reputación está en aumento.
La temporada pasada, dirigió una serie de conciertos de la ASO que celebraban el 200 aniversario del compositor Anton Bruckner, lo que atrajo a patrocinadores de todo el país.
Durante el verano, el documental y el filme-concierto “My Boléro” del director de video de la ASO, Hilan Warshaw, se estrenó en Medici TV y llevó a los espectadores en un fascinante viaje de descubrimiento con Stutzmann mientras exploraba la orquestación original de la pieza querida de Maurice Ravel.
Mirando hacia el futuro, Stutzmann tiene la intención de centrarse más en los grandes clásicos románticos alemanes y rusos, que son su especialidad, así como en la música francesa.
“Ellos han sido campeones de la música moderna,” dice.
“Continuaremos tocando música moderna y haciendo encargos.
Pero creo que es un buen momento para que regresen un poco más al repertorio central.
Hay tantas cosas que nunca han tocado.”
Habla con deleite sobre ensayar “Menuet antique” de Ravel, y aunque la temporada 2024-25 se abrirá con la Sinfonía No. 1 de Gustav Mahler, la semana siguiente traerá una de las creaciones más emblemáticas del compositor austro-bohemio: el ciclo de canciones “Des Knaben Wunderhorn”, que nunca se ha escuchado en su totalidad en Atlanta.
“Una marea en aumento eleva todos los barcos,” dice Barlament.
“Y, en última instancia, el ímpetu de la ASO tiene la oportunidad de elevar la posición de toda la escena artística y musical en Atlanta.”
Fotografía de Ben Rollins.
**Gennadi Nedvigin**
**En Pasos:** El Ballet de Atlanta ve surgir una nueva visión en el escenario.
Hace ocho años, cuando Gennadi Nedvigin asumió como el cuarto director artístico del Ballet de Atlanta, trajo una misión para llevar su gusto por el ballet de clase mundial a Atlanta y para encargar nuevas obras que contribuirían al progreso de esta forma de arte.
Planeó aprovechar su formación en la tradición del Bolshoi Ballet en Moscú y sus casi dos décadas como bailarín principal con el San Francisco Ballet.
En la visión de Nedvigin, el Ballet de Atlanta crecería para estar al nivel de las compañías de ballet en ciudades como Houston y Boston, y ganaría reconocimiento como un jugador más activo en la escena internacional del ballet.
Para el Ballet de Atlanta, la visión supuso un giro de 180 grados.
El predecesor de Nedvigin, John McFall, había tomado un enfoque contemporáneo único, con una filosofía que valoraba la toma de riesgos creativos.
Los proyectos con Big Boi de Outkast y los Indigo Girls empujaron los límites artísticos de la compañía mientras se mantenían al ritmo de la energía de su ciudad natal.
El concepto de Nedvigin de un repertorio “versátil y diverso” giraba más en torno a un centro clásico.
Incluso en los ballets que ha encargado, Nedvigin se muestra dispuesto a empujar los límites físicos de los bailarines dentro de una estética altamente pulida, aunque más conservadora.
Para hacer funcionar su visión, Nedvigin tuvo que elevar el nivel técnico de los bailarines, y sabía que tomaría algunos años.
Sin embargo, no esperaba perder casi la mitad de la compañía al final de su primera temporada tras resistirse al cambio de dirección.
Tampoco esperaba una pandemia global y un movimiento por la justicia social que instara a la compañía a crecer en diversidad racial.
A pesar de los desafíos y contratiempos, el Ballet de Atlanta ahora está realizando su visión.
La temporada pasada, los bailarines lucieron fuertes al interpretar un repertorio diverso que era tanto distintivo como internacionalmente relevante.
Simplemente, la danza adquiere una nueva integridad estructural, en gran parte debido a la creencia de Nedvigin de que una sólida base clásica es esencial para los bailarines.
“Esas son las reglas, cómo hacerlo,” dice.
“Más tarde, encuentras tu alma interior y creas la forma en que te desarrollas como artista.
Y luego puedes explorar diferentes técnicas.”
Los jóvenes y menos experimentados bailarines que ingresaron a la compañía se enfrentaron a la ardua tarea de alcanzar los niveles de profesionalismo que el repertorio exigía.
Durante las dos primeras temporadas de Nedvigin, la habilidad técnica de los bailarines mejoró, aunque pocos proyectaron el poder emocional que el público habitual había llegado a esperar.
Luego, la pandemia causó serias pérdidas financieras, con un déficit de presupuesto para el “Cascanueces” de casi $1 millón durante dos años.
Los bailarines continuaron entrenando durante el cierre y regresaron al escenario como un grupo más espiritual y cohesionado.
En el ballet de la residente, “Pleiades Dances” de la coreógrafa Claudia Schreier en 2021, los cuerpos cincelados de los bailarines impregnaron el espacio con líneas matemáticamente elegantes, y sus movimientos imbuidos con un sentido visceral de belleza formal y la exuberancia que proviene de lograrlo.
La contratación de Schreier, quien es negra, es parte de un esfuerzo por llevar voces diversas al escenario a través de coreógrafos, compositores y diseñadores invitados.
Entre ellos se encuentra Kiyon Ross, director artístico asociado de Pacific Northwest Ballet, quien presentará un estreno mundial en septiembre.
Sin embargo, la lucha por reclutar intérpretes negros continúa.
El año pasado, la compañía contaba con un número sin precedentes de nueve bailarines negros en la compañía principal y Atlanta Ballet 2, una compañía de entrenamiento de nivel superior.
Algunos de esos han partido y probablemente serán reemplazadas esta temporada, tanto a través del reclutamiento externo como desde la escuela, que está desarrollando un canal para que bailarines de diversos orígenes puedan ascender de la academia a la compañía.
Al igual que sus bailarines, Nedvigin ha crecido en su papel.
Ahora tiene un equipo de apoyo en su lugar y ha adquirido una comprensión más amplia de cómo funciona la organización.
“Se necesita más que solo yo,” dice.
“Es el resultado del arduo trabajo de crear, demostrar, impulsar y nutrir.”
Ya sea en bailarines, personal artístico, producción, marketing o desarrollo, él sabe que “cada parte de la organización es importante, y necesitan saber cuán apreciados son.”
La noticia sobre el crecimiento de la compañía ha llegado a la comunidad de ballet en general, lo que ha llevado a nuevas conexiones y creaciones artísticas.
El álbum de alto perfil del año pasado “Coco Chanel—La Vida de una Ícono de la Moda”, coproducido por el Ballet de Hong Kong, el Ballet de Atlanta y el Ballet de Queensland, es solo un ejemplo.
Nedvigin dice: “Nos hemos puesto en el mapa donde otras organizaciones, ya sean más grandes o más pequeñas, nos están tomando en serio y nos ven como un socio potencial.”
Fotografía de Ben Rollins.
**Tinashe Kajese-Bolden y Christopher Moses**
**Visión Dual:** Como raros co-directores artísticos, la pareja está construyendo su propio legado en el Alliance Theatre.
Cuando Tinashe Kajese-Bolden y Christopher Moses comenzaron su mandato como co-directores artísticos en Alliance Theatre—primero como interinos en 2022, luego oficialmente el pasado junio—heredaron un espacio que había sido liderado por Susan Booth durante más de dos décadas.
Antes de Booth, quien renunció para dirigir el Goodman Theatre en Chicago en 2022, había sido guiado por el director ganador del Tony, Kenny Leon, durante más de una década.
Es una configuración única, una que Moses y Kajese-Bolden dicen que depende de una confianza explícita en las opiniones y la experiencia del otro.
No les resultó difícil dado que ambos ya estaban profundamente integrados en la comunidad, en lugar de comenzar de cero como recién llegados.
“Atlanta es una ciudad compleja y fascinante que toma tiempo conocer,” dice Moses.
“Una gran parte de este trabajo es escuchar las necesidades de la ciudad, lo que impulsa prácticamente todas nuestras decisiones.”
Tanto Moses como Kajese-Bolden comenzaron en el teatro desde muy jóvenes— aunque a través de canales decididamente diferentes.
Siendo honesto, la primera atracción de Moses hacia la actuación fue a través de la iglesia.
“Si soy sincero, probablemente fue mi primera misa católica,” dice.
“Ellos entienden, inherentemente, el drama, la tensión y la trascendencia.”
El primer destello de Kajese-Bolden hacia la actuación ocurrió cuando era joven en Zimbabue durante los primeros días de su país.
Su padre organizaba reuniones de jugadores políticos que discutían alrededor de la mesa de la cena.
Recuerda haber tenido la oportunidad de compartir una historia una noche, y cómo todos los ojos en la habitación se posaron sobre ella.
En ese momento, se cristalizó que las palabras podían tener poder si se entregaban de la manera correcta.
Kajese-Bolden se mudó a Atlanta en 2013, y Moses fue una de las primeras personas del teatro en contactarla.
Es una directora y actriz consumada que ha trabajado en teatros locales, como Synchronicity Theatre, donde ganó un premio Suzi Bass (la versión de Atlanta del Tony) por dirección.
En el Alliance, anteriormente se desempeñó como directora artística asociada.
Este mes, Kajese-Bolden dirigirá “The Mountaintop” en el escenario principal del Alliance, la obra de la ganadora del Pulitzer Katori Hall que imagina la última noche del Dr. Martin Luther King Jr. en el Motel Lorraine antes de ser asesinado.
El Alliance no solo es el teatro regional más grande del sureste, sino que es uno de los más longevos en Atlanta, fundado en 1968.
En consonancia con la historia de la compañía de albergar estrenos mundiales—más de 135, según su sitio web, 10 de los cuales han pasado a Broadway (incluyendo “The Color Purple”)—la pareja se ha inclinado con más fuerza hacia este legado de fomento de nuevas obras.
“El peligro es subestimar a una audiencia y pensar: Oh, esto es todo lo que pueden manejar o todo lo que quieren,” dice Moses.
“Nuestra audiencia es sofisticada y eso nos permite explorar nuevas historias y no solo viejos clásicos.”
También quieren proporcionar oportunidades para la oleada de artistas atraídos a Atlanta por la industria cinematográfica, mientras que al mismo tiempo nutren a artistas que comenzaron aquí para que las carreras locales puedan continuar floreciendo.
El año pasado, iniciaron un programa gratuito de cuidado infantil para padres que trabajan en sus espectáculos.
Cuando Kajese-Bolden llegó por primera vez a Atlanta, recuerda que fue un gran evento cuando el Alliance hizo una obra y la llamó un elenco completamente de Atlanta.
Por el contrario, hoy en día, “hay una expectativa y una emoción de ver talento local en nuestro escenario,” además de oportunidades para directores, diseñadores escénicos, de iluminación y sonido locales.
Otro enfoque es atraer a un espectro más amplio de audiencias a las funciones del Alliance a través de raza, estatus económico, edad y geografía.
Moses ha pasado más de una década en el Alliance como director artístico asociado y director de educación, aumentando la sólida huella juvenil del teatro, una misión que aún defiende.
La programación para niños en el Alliance tiene una reputación por presentar trabajos que desafían el estereotipo de una “obra para niños” simplista.
El año pasado, “Into the Burrow” transformó el
“Peter Rabbit” de Beatrix Potter en una meditación sobre la propiedad de la tierra y el miedo al desplazamiento.
Estuvo en cartelera durante 12 semanas y se vendió al 96 por ciento de capacidad.
“Todavía no hemos alcanzado el límite de cuán hambrienta está la gente por este tipo de trabajo,” dice Moses.
En el horizonte se encuentra el nuevo Goizueta Stage para Jóvenes y Familias, que se espera abrir en 2026.
“Creemos profundamente que esto transformará la ciudad,” dice Kajese-Bolden.
“Esperamos ser un faro para otros teatros para decir que el teatro es un derecho de nacimiento.”
Este artículo aparece en nuestra edición de septiembre de 2024.
